unviersità la sapienza

The University city of La Sapienza in Rome

The University city of La Sapienza in Rome was built, following’s Mussolini’s orders, between 1932 and 1935, under the direction of architect Marcello Piacentini.

The University city of La Sapienza in Rome - SLOGANS

Istituto LUCE propaganda slogans for the announcement of the University City of La Sapienza project.
1st) With this studies center Rome will have the greatest University of the world. 2nd) 12 buildings covering an area of 210 square meters, 63.800 dedicated to squares and roads, the main square will be as big as Piazza Navona. 3rd) The Rectorate building will be 52 meters high, the main lecture hall will seat 3000 people. 4th) Bricks, travertine, stones and marbles will be the main materials used.

The University city of La Sapienza in Rome is a great example of rationalist architecture. In the late 20’s and early 30’s, in fact, the rationalism movement supporters had been attacking the old architect’s generation, proposing their new architectural ideals to support the fascist revolution in the “Rational architecture manifesto”, submitted to Mussolini in 1931. In the same year the architects’ union founded R.A.M.I. (Raggruppamento Architetti Moderni Italiani – Modern Italian Architects Group).

The University city of La Sapienza in Rome - MUSSOLINI VISITS

La Sapienza: Mussolini visits the construction site of the future University city of Rome.

Despite the fiery debates which ensued, the plans for the University city of La Sapienza in Rome were grounded in a spirit of compromise. Architect Piacentini’s idea was to prefere young professionals, with the exception of two seniors, himself and architect Arnaldo Foschini, the outgoing director of “Architettura”, the National Fascist Union of Architects magazine; putting together a team that will get its best from the convergence of different experiences and positions.

The University city of La Sapienza in Rome - MODEL

The original model of the University city of La Sapienza. The tallest building, the Rectorate, will be shortened during the construction.

From Turin and Milan came Giuseppe Pagano, director of “Casabella” magazine, and Gio Ponti, director of “Domus” magazine, from Florence came Giovanni Michelucci, from Rome came Pietro Aschieri, Giuseppe Capponi and Gaetano Minnucci of M.I.A.R. (Movimento Italiano per l’Architettura Razionale – Italian Movement for Rationalist Architecture), and Gaetano Rapisardi.

After and extensive examination of each architect skills and experiences, Piacentini assigned the design of the buildings: the monumental entrance, Hygiene and Orthopedics to Foschini; Physics to Pagano; Chemistry to Aschieri; Mathematics to Gio Ponti; Biology, Geology and Mineralogy to Michelucci; Law and Political Sciences, Arts and Philosophy to Rapisardi; Botanic to Capponi.

The University city of La Sapienza in Rome - MATHS AND CHEMISTRY

La Sapienza, Rome – Mathematics and Chemistry buildings plans.

He chose for himself the most representative building: the great Rectorate, right in the heart of the La Sapienza University city.

The University city of La Sapienza in Rome - MAIN ENTRANCE

The main entrance to the University City of La Sapienza in Rome

The University city of La Sapienza in Rome La Sapienza rettorato, progetto originale

The original version of the Rectorate had a 52 meters tall main building.

The Dopolavoro (Recreational Association) and Circolo Littorio soon followed, executed by Minnucci, who alongside with Eugenio Montuori also designed the Barracks for the “Benito Mussolini” University Legion, and the Students’ House by Giorgio Calza Bini, Francesco Fariello and Saverio Muratori.

The University city of La Sapienza in Rome - BARRACKS

The “Casermetta Universitaria”, barracks for the University students military legions.

Piacentini’s masterplan for the University city of La Sapienza in Rome intended to include “very Roman” buildings made of bricks and travertine, but the young designers used these materials primarily as final cladding upon structures built instead with the latest technologies but stripped of ornament in an ancient Roman interpretation of international Modernism. Piacentini also strictly requested that architects gave up to the principles of originality and fashionable trends, but despite his rules some buildings appear innovative, albeit within limits specified by general criteria. This is certainly the case with Gio Ponti’s Mathematics building, with its hidden curves of the front façade, in line with those of the other buildings in the central square, from which it distinguished itself thanks to a decorated glass wall, sadly destroyed during the war.

The University city of La Sapienza in Rome - MATHEMATICS

Mathematics building by Architect Gio Ponti.

Another example of peculiar architecture is the Physics building, with its external parts in contrast with the interiors. Capponi’s building is a full expression of Italian architectonic rationalism thanks to its great transparencies, creating a communication between the interior and exterior.

Several buildings are decorated with simple frescoes and statues, both in interior and exterior spaces, in accordance with a precise decorative programme which involved some reknown artists like Mario Sironi, Arturo Martini, Mirko Basaldella, Fausto Melotti, Corrado Vigni and Alfredo Biagini.

The University city of La Sapienza in Rome

La Sapienza in Rome: Main square, the iconic Minerva statue, the goddess of Wisdom.

Inaugurated on 31st October 1935, the University City of La Sapienza in Rome is a “place of knowledge”, steeped in the full expression of the relationship between architecture and art. The complex stands in contrast to the future EUR district, built several years later, as La Sapienza represents Fascist modernism yet, unike the EUR, it still retains a human sense of scale.

The University city of La Sapienza in Rome

Benito Mussolini makes a speech during the opening cerimony before the Rectorate building.

The official website of The University city of La Sapienza in Rome

non-catholic cemetery Emelyn Story

The Non-Catholic Cemetery of the Pyramid in Rome

The Non-Catholic Cemetery of the Pyramid in Rome lays under the shadow of the famous Caius Cestius Pyramid, where Ostiense district leans towards the Aventine hill and merges with Testaccio.

The non-catholic cemetery origins are sadly unknown; we have no official chronicles about non-catholic burial areas before the Vatican chose this area near the Pyramid. Traditionally though, foreigners were usually buried at the “Muro torto” (Crooked wall), alongside with prostitutes, executed criminals, mummers and random outcasts.

The first official name buried in this area dates to 1738: a 25 years old Oxford student named Langton.

The first official document mentioning the non-catholic cemetery of Rome seems to be the famous 1748 Nolli and Piranesi Roma map, where our cemetery can be spotted in an area called “Roman people meadows”. At that time, the Testaccio and Ostiense area, was in fact real countryside within the walls, the so called “Agro romano” made of meadows, pastures, vineyards and suburban inns and taverns loved by Romans and especially popular during the festivities.

Pyramid

The pyramid and the non-catholic cemetery of Rome, Testaccio.

Today’s perimeter of the Non-Catholic Cemetery of Rome was developed in linear patches along time by the Prussian minister to the Holy See. The whole area in fact is divided into five chronological zones: Ancient, Old, First, Second and the Third, still active today. This development created an imaginary timeline that can be explored to feel the change in styles and the different approaches to death along centuries.

In the 1921 official cemetery statute it is claimed that this area “grants the burial to foreign citizens belonging to protestant or Greek-scismatic faith”, today the cemetery is simply open to any non-catholic.

The first years of the non-catholic cemetery of Rome were quite troubled. It was not uncommon, for the most intolerant Christians, to vandalize the non-catholic tombs. The burials, in fact, had to take place after sunset, with a low profile, to avoid being spotted and bullied by the most fervid Romans. It did not help that until 1900 the cemetery was not fully fenced.

Another issue of the non-catholic burials was the ban on crosses or epitaphs mentioning the eternal gratitude or the love of God, a ban that lasted until 1870. Vatican authorities in fact, did not believe that God would have saved the soul of those who died following any other faith but the Roman-Catholic one.

In 1869 a Papal commission, appointed with the task to check and approve every funeral inscription request, even rejected “Hier ruht in Gott(Here rests in God) and “God is Love”. This practice stopped after 1870, with the end of the Papal State and the beginning of the new Italian kingdom.

Today we can find every sort of inscriptions: from film quotes to deep philosophical thoughts, until the simple and witty: “Novità?” (“Any news?”), but a simple walk along the cemetery walkways shows an even more peculiar “epitaph”: a nazi machine gun sign, a relic of the famous Porta S.Paolo battle. After the armistice partisans troops were hiding in the non-catholic cemetery and nazi troops fought here against them.

Any news?

Umberto Missori’s tomb: “Any news?”

The majority of burials in the non-catholic cemetery of Rome belongs to Germans and English citizens; but there are also many Americans, Scandinavians, Russians and Greeks; even some Chinese and some from Arabic or Middle-Eastern countries, like Mohammed Hossein Naghdi, leader of the Iranian resistance killed in Rome in 1993.

There are also some Italians buried here, mostly because they were relatives of foreigners already resting in the non-catholic cemetery, but there are also some exceptions like Carlo Emilio Gadda, a famous XX century Italian poet and writer. It was buried here instead than in Milan, following Rome’s mayor, Francesco Rutelli’s will.

But the non-catholic cemetery is mostly renowned for the burials of foreign celebrities that chose to spend some time in Rome, the jewel of any “Grand Tour”, the traditional IX century trip of Europe (mostly France and Italy) undertaken by upper class European young men at the coming of age as an educational rite of passage. Whatever the Tour route was, Rome could never be missed, it was the Mecca of artists as Henry James said, or “the best cultural gathering of Europe” quoting Stendhal and “The only place where he really understood what it meant to be a man” according to Goethe’s words.

Painters, sculptors, actors, dancers, poets and writers rest in great numbers under the iconic cypress trees near the Pyramid. Sometimes the dead are not famous by themselves, their relatives are, like August, a simple accountant but also Goethe’s son, Boecklin’s daughter and Tolstoj’s daughter and nephew.

The two most famous celebrities of the non-catholic cemetery of Rome are certainly John Keats and Percy Bysse Shelley, two of the main English romantic poets.

La tomba di John Keats

John Keats grave in the non-catholic cemetery of Rome

 

tomba di Percy Bysse Shelley

Percy Bysse Shelley grave in the non-catholic cemetery of Rome

During a visit to this extraordinary cemetery it is also possible to salute many pioneers of progress and history: scientists, explorers, amazing archaeologists (The greatest expert of Roman civilization, Krautheimer and Mrs Schliemann, Troy’s discoverer wife, are both buried here) architects, great doctors, politicians and soldiers fighting for the Italian unification wars.

Some of the graves are embellished by gorgeous artworks like the well-known “Angel of Grief” by William Wetmore Story, sculpted to remember his wife Emelyn. She died in 1893 and two years later William joined her rest under the angel wings.

But the non-catholic cemetery of Rome is much more than just the aeternal resting place of many people, it also houses one of Rome main cat sanctuaries, The “Gatti della Piramide” (Pyramid’s cats). It’s not uncommon to spot some peaceful little feline enjoying the sun or happily napping on a cozy tombstone. The cat colony is mantained entirely by volounteers and all the cats are up for adoption, online with a donation but even in real life. The cats make a stroll under the pyramid shadow even more relaxing and interesting.

 

gatto tomba

One of the many cats of the non-catholic cemetery of Rome

Through the centuries and through the stories, despite this place’s nature, there still is a lot of life under the shadow of the Pyramid. 300 years of amazing characters and stories will be revealed to whoever wants to take a stroll in this unique corner of Rome. 300 years of melting pot, maybe this is Europe at its core. The foreigners resting here may be saddened at the thought that the majority of people ignore this place, they loved this city so much they wished they stayed here forever, and for many of them, this whish was fulfilled.

The official non-catholic cemetery of Rome website can be found here.

progetto EUR E42

EUR district and the dream of World’s Fair.

EUR district: a journey from World Fair to a Business district.

Today “Europa” is the official name of the district known as EUR; acronym, as widely known, of “Esposizione Universale Romana”. The real name, the first chosen for this area, was E42, and had to represent the new “ultramodern city” that in 1942 had to host Rome’s World Fair. The chosen date was not a coincidence; it was in fact the 20th anniversary of Mussolini’s March on Rome.

This occasion had already been celebrated in 1932 with a huge exhibition held in Rome’s Palazzo delle Esposizioni and focusing over the “Fascist revolution”, a huge success.

rivoluzione fascista 1932

1932 the “Fascist Revolution” exhibition in the Palazzo delle Esposizioni

The idea to hold a World Fair in Rome was suggested to Mussolini by Giuseppe Bottai, in June 1935. Bottai had just been appointed City Governor. The huge innovation, compared to every other previous world Fair edition, was for the buildings to be real permanent constructions. Until then in fact, every World Fair ever held always had all the pavilions and buildings dismantled when the Fair was over. In the E42 all the buildings instead, had to become the kernel of the new Rome expansion towards the sea.

 

The first main blueprint of the whole  E42 area, made by the same group of architects that created the “Città Universitaria” (University City), was revised by the group leader, Marcello Piacentini. Planning of each single building instead, will be appointed to various Architects after 4 different public bids starting in 1937.

progetto E42

EUR: One of the first plans for E42

The style, called metaphysical rationalism, as in reference of De Chirico’s paintings, is basically expressing an oversimplified classicism. Although based on modernity, the whole complex is, for obvious propaganda reasons, over rhetorical if compared to other contemporary Italian architecture.

By the beginning of World War II, of the many buildings planned for the EUR, only 2 had been completed. The Ente Eur offices building and the Workers Village, along Via Laurentina. Works in progress were: The “Palazzo dei Congressi”, the “Palazzo della Civiltà italiana”, the 4 museums surrounding the Imperial Square.

colosseo quadrato

EUR 1940: the “Palazzo della Civiltà italiana” just before the interruption.

Also foundations had been laid for the theater, the church, the post office and the two buildings of the exedra, the INA and INPS one. Most of the main structures of the Underground stations had also already been completed, they had to connect the World Fair with the main Termini Station, but the tunnels were just used during the war as bomb shelters.

Construction works, interrupted by the war, restarted only a few years after the war was over. 1950 saw the completion of Via Cristoforo Colombo, formerly known as Via dell’Impero.

EUR: Interrupted works are finally completed

 

1951 saw the completion of the other buildings. In 1955  a new EUR blueprint was made, and then, with a fully functional Underground connection, Municipality offices, corporations and ministries arrived in the district and were followed by private companies offices. With the arrival of white collars new shops started to open up for business and in the meantime some areas became residential zones.

This transitional phase into a Business District abandoned completely the rationalism style and followed instead the new “international style” to stress the modernization process of a new society.

EUR: The palazzo della civiltà italiana

The last big phase of development of the EUR happened in 1960 for the XVII Olympic Games. The new EUR in fact was chosen to host the new Sport palace, the Velodrome and the Roses swimming pool. In these years many other areas were completed, together with the artificial lake.

velodromo

Rome’s EUR Olympic Velodrome. Dismantled in 2008.

More infos on FENDI’s new EUR project can be found here.

This article is also available in Italian.

This article is offered by Veni Vidi Visit, please check our amazing not so touristy Rome Free Walking Tour!

Garbatella case rapide

Garbatella – Part 1

Garbatella is an area of the Ostiense neighborhood belonging to the VIII district of Rome. Built in about 20 years, starting from the area of St.Paul’s hills, despite seeming quite unified, Garbatella went through many different construction phases, taking shape as a real laboratory of styles and types.

Garbatella’s different groups of buildings are the result of the different connections of the Italian society and their changes according to the variety of social groups they were built for.

Garbatella bucato

Laundry in Garbatella – Photo by Maria Freria Dominguez

Even if, in the past, the district went through hard times during which it had a bad reputation, it is nowadays one of the liveliest neighborhoods of Rome, status that was officially confirmed when it obtained the privilege of being called “Rione”one of the historical regions Rome is traditionally divided into. Thanks to this title Garbatella is now widely recognized for its cultural importance and historical relevance.

The origin of the name Garbatella is still under discussion. According to a widespread hypothesis, the neighborhood is named after a nice innkeeper named Carlotta (or Maria). She was so beloved by the travelers passing by her inn that everybody started to call her “garbata ostella”, the “polite innkeeper”, later shortened in “garbatella”.

garbatella ostessa

Garbatella’s symbol in Piazza Bonomelli – Photo by Laura Antonucci

The image of this mythical woman can be seen today on the facade of a building in piazza Geremia Bonomelli.

A second hypothesis regarding the origins of the name Garbatella refers instead to a peculiar type of wine cultivation technique called “barbata” (bearded) or “garbata” (polite) in which the vines are supported by maple or elm trees. This type of cultivation technique was common in the lands called “Tenuta dei 12 cancelli”, a local vineyard that in XIX century belonged to Monsignor Nicholas Maria Nicolai, famed agricultural scientist and intellectual, General Commissioner of the Apostolic Chamber, President of the Lincei Academy and President of the Pontifical Roman Academy of Archaeology.

Garbatella, name by which the area was called way before the district construction begun, was not the only one taken into account. In the official first plan, the district had to host the workers of the nearby Ostiense industrial area, so somebody proposed to call it “Concordia”, the name of the first garden-working class suburb built in 1920 around Piazza Brin. In the fascist period instead, they thought about drawing inspiration from classical historical sources: “Remuria”, the other potential name of Garbatella, was the mythical city Remus wanted to build on the next hill towards the sea, opposed to the Palatine hill, his brother’s Romulus choice (historians will later identify this area on the Aventine hill).

garbatella lotto piazza brin

Lotto in Piazza Brin – Photo by Maria Freria Dominguez

Let’s begin our journey from the very birthplace of the area, Piazza Brin,where we immediately notice the pleasant balance between green areas and buildings; it’s one of the highest percentages in Italy during that period. Together with the extreme richness in the details (notice the beautiful gargoyles and the unique chimneys), despite being outside the ancient Aurelian city walls, we find an headless Roman marble statue, proof that in ancient times this area was a burial ground. Together with the small votive shrine built during the war by the inhabitants of this “lotto” hoping to survive the bombings, another interesting artifact of this piazza is the memorial marble plaque celebrating the laying of the first stone of the district, which dates back to 1920.

garbatella - fondazione

Garbatella’s first foundation stone – Photo by Maria Freira Dominguez

In this photo, together with the royal presence of King Victor Emmanuel the III, the ceremony is attended by the IACP (Independent Public Housing Institute) and the SMIR (Independent Authority for the Maritime and Industrial development of Rome). There is no trace of city Mayor Nathan, to which the historically dominant leftist sentiment of the area would like to assign the district’s foundation. Even though this leftist administration had a great role fighting the abusive urban speculation and stressing the industrial spirit of the area, there are no historical proofs of direct connections between the foundation of Garbatella and the leftist “People’s Block Party“ who only ruled the city until 1913.

IACP was founded in 1903, thanks to Deputy Luigi Luzzati’s will. His idea was to achieve cheap working-class housings in the urban area of Rome; IACP begun immediately to alleviate the housing crisis in Rome through the construction of the interesting Flaminio and San Saba neighborhoods.

SMIR instead was born in 1902 and despite its crucial actions aiming to improve the southern area of Rome, had a short and contradictory life, being already dismissed in 1923. SMIR was the idea of Paolo Orlando, technocrat of Sicilian origin, member of the anti-Bolshevik association, opposition advisor during the rule of Mayor Nathan and promoter of the construction of Ostia harbor. After getting an Engineering degree at Milan’s Politecnico he came to Rome to pursue his political career. Here Orlando immediately begun working on his big plan for the industrial-commercial and maritime development of Rome.

garbatella foto d'epoca

Garbatella – Aerial photograph.

In 1880 Paolo Orlando started a national committee focused to build a huge basin linking the area to the seaside. It would have been equipped with big seaports and connected to the railway network. It was to become the ultimate step to improve the industrial development of the Ostiense area.

This project will never be fulfilled because the planned resources will be redirected to other public works in Northern Italy. Despite the failure of the bigger project Paolo Orlando enrolled, since 1910, IACP and, few years later, architects Gustavo Giovannoni and Marcello Piacentini, who took charge of the district plans.

Going through via Cialdi we get to via di Sant’Adautto. Here we meet the first nucleus of “quick houses”, those of the “Lotti VI and VII” built in 1923.

Garbatella case rapide

Garbatella, case rapide (quick housing) – Photo by Maria Freria Dominguez

The buildings look really nice thanks to their tininess and peaceful isolation even if they lack the nice aesthetical details of the houses in the previous lotti. The reason of this difference is the urgent need to create quick and cheap dwellings for the population. The total isolation of this group of houses, close among themselves and located on the top of a small hill, was a comeback of the iconic borgata (working-class suburb), a place of segregation and physical isolation of the unwanted members of the lowest class.

After this period a new progressive social diversification of this area begins; Garbatella will start to host diverse families from different backgrounds evicted by the huge demolition projects that were taking place all over Rome. The first relocated Romans that arrived here were those displaced from the areas of the Theater of Marcellus, the Salita del Grillo and Piazza Montanara, followed in 1929 by those living in the so called “Abissinian villages” of Milvian bridge and Portonaccio. These villages were basically shanty towns lacking proper sanitation, water supply, electricity, streets and other basic human necessities. They were named “Abissinian villages” because they looked like the poor towns of the African colonies of the Italian Empire.

This “quick houses” experience will be repeated in Piazza Masdea and in 1925 in via Magnaghi when, following the lifting of controlled house rental prices in the city center, a huge number of freshly evicted families start to move towards this area looking for a dwelling.

garbatella roma commodilla serafini

Garbatella, Parco Serafini, location of the Catacombs of Commodilla.

Now we are going into Commodilla’s Park, built over the catacombs bearing the same name. These catacombs were in use from the IV until the IX century and then forgotten for centuries. They were rediscovered only 600 years later.

This underground burial complex was built, as it was common, nearby the remains of one of the many “pozzolana” (volcanic ash) quarries of the city and is named after the landlady that donated this piece of land to Christians in order to create a cemetery.

The most relevant burials we find here are those belonging to the Saints Felice and Adautto, both martyrs under the rule of Emperor Diocletian. Notice that Adautto is not a common Roman name, “adauctus” just means “added” in Latin and, according to VII century historian, it refers to a Christian bystander who offered himself voluntarily for martyrdom.

The galleries of this cemetery offer less artworks if compared to the most famous underground cemeteries in Rome; although they host one of the most important inscriptions in Italy. The graffiti inscription in one of the underground cemetery chapels “non dicere ille secrita a bboce” (don’t speak these secrets aloud), dated between the VI and XI century, is so distant from standard Latin that can be considered the oldest example of “vulgar” Italian language.

Lotto 8

Lotto 8 – Photo by Maria Freria Dominguez

Let’s pass through the gate belonging to the “Nicolai Vineyard and” and we go along via della Garbatella, turning left in via Fincati where we stop at the beautiful “Lotto 8”one of the most profusely decorated. This peculiar group of buildings, gathered around a courtyard, was built by architect Plinio Marconi, who also built Lotto 4 and “Dwelling 13” of the “Model Houses” we’ll discuss in the next Garbatella article. The richness and complexity of the broadly inspired decorations imply that these buildings were intended for richer families from a higher social level capable of redeeming the house in a short time.

garbatella lotto 8

Lotto 8 – Photo by Maria Freria Dominguez

The population density of this building, made between 1923 and 1926, is higher than any house previously built in the district. This changing foreshadows the new district urbanization and every future urban plan of Rome. Starting in 1927, low-density council housing won’t be considered profitable anymore even in cheap land areas; small villas and single houses were in fact more expensive if compared to intensive housing policies.

It was the premature beginning of the end of that positive experience of low-density quality dwellings that could have been the modern alternative to the XIX century “block housing” intensive construction model.

 

If interested to have a private or group tour of Garbatella, feel free to get in touch with us!

This article is offered by Veni Vidi Visit, please check our amazing not so touristy Rome Free Walking Tour!

 

zampognari abruzzesi

Natale a Roma

Festività nella Roma pontificia: Il Natale, tra rappresentazioni sacre e gozzoviglie profane.

E’ noto ai più come le festività, nella Roma papale, rappresentassero qualcosa di “estremamente serio”. All’interno di questo circo dell’effimero, che si sviluppò a partire dal Rinascimento e che vide il suo picco nel XVIII secolo, non era affatto raro che le festività religiose, estremamente spettacolarizzate, fornissero l’occasione per festeggiamenti sfarzosi. Queste baldorie, indissolubilmente legale alla realtà romana, apparivano spesso invece agli stranieri poco rispettose del carattere liturgico delle cerimonie.

Il Natale, festività religiosa tra le più importanti, ben rappresentava questa mescola di sacro e profano; divisa com’era tra gesti di devozione, chiassosi bagordi ed editti papali che tentavano in vano di rendere la città, almeno per un giorno, un simbolo di moralità.

I festeggiamenti del Natale prendevano avvio ufficialmente il 25 novembre, giorno di Santa Caterina, con l’arrivo dall’Abruzzo degli zampognari. Solitamente pastori o contadini, questi suonatori, che a volte ancora oggi è possibile scorgere durante il periodo natalizio, facevano echeggiare il suono di zampogne e ciaramelle, di giorno e di notte, presso le edicole sacre della città (unica forma di illuminazione pubblica).

Se per i romani l’arrivo rappresentava un insostituibile momento di allegria, non sempre dello stesso avviso erano i numerosi stranieri residenti in città. Ad esempio Stendhal annotava nel suo diario il proprio disappunto per il fatto di essere costantemente svegliato “già alle quattro della mattina dai pifferai o suonatori di cornamusa”. L’opinione in proposito, diametralmente opposta, del popolo romano ci viene invece riportata dal Belli. Uno dei suoi popolani immaginari pronuncia infatti queste parole: “E cquelli che de notte nu li vonno? Poveri sscemi! Io poi, ‘na stiratina, e mme li godo tra viggij’e sonno”.

Natale a Roma

Zampognari abruzzesi a Roma presso una madonnella.

Le origini forestiere di questi musicisti di strada facevano si che i romani spesso non comprendessero i testi da loro cantati. L’inarrestabile spirito popolare ipotizzava quindi ironicamente che potessero recitare “E quanto so’ minchioni ‘sti romani – che danno da magnà a ‘sti villani”. Il “cachet” degli zampognari ammontava solitamente a due paoli per una novena (periodo di nove giorni), durante la quale eseguivano due serenate ogni giorno, di mattina e di sera. Sempre Stendhal ci riferisce che coloro che avevano fama di liberali, per evitare problemi e “per essere ben visti dai vicini”, si abbonavano addirittura per due intere novene.

Come accennato in precedenza i romani dei secoli passati erano spesso molto turbolenti durante la notte di Natale ed i giorni successivi. Basti pensare, in proposito, che il ruolo degli attuali “botti”, era normalmente svolto da spari di archibugio. Erano quindi numerosi i tentativi papali, tramite la minaccia di pene corporali o pecuniarie, volti ad evitare i numerosi “eccessi”.

Durante la “Natività di Nostro Sig. Giesù Christo” erano infatti “ da fuggirsi strepiti, gridi e rumori di notte, come origine di molti scandali e occasione di diversi peccati”. Erano, più in generale, da evitare “negotij profani” di ogni sorta; inutile dire che tali minuziose norme non ottenevano mai i risultati auspicati.

Una delle proibizioni più sentite dai romani durante il Natale era quella che intimava la chiusura alle osterie ed agli alberghi dalle due di notte alle sedici del giorni successivo, in modo da eliminare ogni “occasione di scandali”. Tra i divertimenti ammessi c’era invece la tombola, che fino alla prima guerra mondiale veniva solitamente giocata nelle piazze, a debita distanza dalle chiese.

tombola lotto roma trastevere

1876 – Roma – Tombola a Trastevere

Un divieto che si tentava in ogni modo di far rispettare era quello relativo alla prostituzione. Tollerata durante il resto dell’anno, era severamente proibita durante a notte di Natale, al punto che “cortigiane, e Donne di disonesta vita” non potevano girare per la città, neanche “sotto pretesto di andare alle Messe”.

Alcune disposizioni, il cui senso può apparire all’osservatore d’oggi piuttosto oscuro, riguardavano invece, nel sei e settecento, le suore. Dal momento che durante le maggiori festività le chiese divenivano spesso luoghi di incontri mondani, nei quali oltre a “circoli e colloquij”, non mancavano gli atti “indecenti”, era vietato aprire i monasteri “fino alla mattina di giorno”. Nel tentativo di rifuggire ogni sorta di mondanità era inoltre fatto tassativo divieto alle suore di allestire presepi.

L’usanza del presepio si diffonde a Roma a partire dal Cinquecento, periodo in cui si iniziò a rappresentare la Natività in molte chiese ed abitazioni private. Ancora nell’Ottocento le famiglie nobili esibivano statuine confezionate da noti artisti, ed alcune – i cui portoni erano riconoscibili grazie ad una corona di mortella – ammettevano i curiosi ad ammirare il proprio presepe.

Il più noto fra tutti era indubbiamente quello dell’Aracoeli, secondo Giggi Zanazzo “er più mmejo presepio che sse vedessi a Roma; e la ggente p’annallo a vvedè ce faceva a ppugni”. Il protagonista indiscusso di questa rappresentazione era il miracoloso bambinello, che una fantasiosa narrazione voleva dipinto dagli angeli, scolpito alla fine del ‘400 da un ulivo dell’orto del Getsemani. La superstizione popolare riteneva che il bambino fosse in grado di sfuggire ai ladri e tornare sempre al proprio posto, proprietà questa sfortunatamente smentita quando, all’inizio del 1994, la statuina fu rubata.

bambinello aracoeli roma

Roma – Il presepe della basilica di Santa Maria in Aracoeli

Tale bambinello era ritenuto talmente prodigioso che molti moribondi romani, grazie ad una carrozza appositamente destinata dal principe Torlonia, chiedevano di poterlo baciare. La credenza del popolo riconosceva alla statua infatti delle proprietà diagnostiche “je se fanno li labbrucci rossi, è ssegno de guarizzione; si ar contrario je se fanno bbianche, è segno che er moribbonno more”.

Ovviamente, oggi come ieri, al centro delle festività natalizie era il tradizionale cenone di magro. Particolarmente interessante diveniva, la notte tra il 23 ed il 24 dicembre, il cottìo, l’asta notturna del pesce – prima dell’Unità al portico d’Ottavia o a via delle Coppelle, poi al mercato di via di San Teodoro – che mai come in quell’occasione era frequentata ed animata.

Roma - Il cottio alla Pescheria

Roma – Il cottio alla Pescheria

Quanto ai dolci, oltre al torrone, si consumabano ingenti quantità di pangiallo. Questa leccornia a base di mandorle, noci, nocciole, canditi, pinoli, miele, uva passa e cioccolato, all’interno di una glassa colorata con zafferano, sarebbe col tempo stata rimpiazzata dal panettone milanese.

Malgrado gli inviti alla continenza, come da copione, “Monzignori e Cardinali” erano soliti più di chiunque altro, durante gli spettacoli di musica sacra che tenevano nei loro palazzi, intrattenersi in libagioni e luculliani banchetti.

Circostanza questa ironicamente sottolineata dal solito Belli: “mo entra una cassetta de torrone\ mo entra un barilozzo de caviale\ mo er porco, mo er pollastro, mo er capone\ mo er fiasco de vino padronale \ poi entra er gallinaccio, poi l’abbacchio. \ L’oliva dorce, er pesce de Fojjano \ l’ojjo, er tonno, l’inguilla de Comacchio”.

Insomma una singolarissima processione profana che propiziava i numerosi convivi e simposi che avrebbero riempito le giornate dei prelati per i giorni venire.

Se si vuole continuare la tradizione della visita ai presepi durante il Natale a Roma ecco un link con alcuni dei più noti e caratteristici.

Piazza Barberini - Barberini square

Piazza Barberini

Piazza Barberini, as the name says, is deeply connected to the Barberini family. A family that will change forever the appearence of this area.

 

Piazza Barberini gets its name from the powerful noble Barberini family, but before they transformed the square into an addition to their palace, this place was named “piazza Grimana” from Cardinal Grimani, who had a vineyard with a small house at the corner of this square, right where Via Veneto begins.

Piazza Barberini in 1847

Piazza Barberini in 1847

Ground level of Piazza Barberini is nowadays the result of many earth fillings that took places along centuries to fill up what used to be a deep valley between the Pincio Hill and the Quirinale hill.

This area was populated since the first centuries of the roman empire because it was considered very healthy and mosquitoes-free, but it will be deeply urbanized only in 1600 with the Barberini family. They begun the transformations of this area building an elm bordered road leading to the cappuccini monks monastery built by Cardinal Antonio, the brother of Pope Urbano VIII Barberini. They even commissioned the bees fountain and the merman fountain but above all they begun the construction of their wonderful family palace, Palazzo Barberini.

Despite all these remarkable additions to Piazza Barberini, this area remains rather suburban and countryside-like until half of the 1800, when its appearance will be deeply transformed with the opening of via Veneto and then via Regina Elena (nowadays called via Barberini) in 1926, connecting Termini central station with the city center. Because of this road, the Barberini Theater, built by architect Pietro da Cortona, was completely demolished, togheter with a full block of charming buildings from the 1600.

Piazza Barberini 1850 and today.

Piazza Barberini 1850 and today.

Since 1645 the wonderful merman fountain pours its clangorous water gushes right in the heart of Piazza Barberini. This wonderful fountain was built by Gian Lorenzo Bernini to celebrate the anniversary of the election of Pope Urban VIII Barberini, event that happened 20 years before the fountain was completed. The fountain, being a celebrative monument, gave immediately a strong scenic sense to the whole square, becoming a beacon for people coming from the city center.

The merman fountain is a wonderful artwork mixing allegoric decorations and natural elements: from a shallow basin four big dolphins with the barberini bees (the bees are the family crest of the Barberini family) use their tails to lift up a big seashell above which there is a crouching merman. The merman, blowing in the trumpet, creates a tall water gush towards the sky.

Piazza Barberini

Piazza Barberini in 1862

This artwork is deeply inspired to Ovid’s metamorphosis 1st book, according to which before the rebirth of mankind the world will have 4 ages in which calm will be brought back to the world by the gods. The merman Tritone, blowing the trumpet, will fill with sound the surrounding lands, calling back the world to order and peace.

Bernini took inspiration from this story and created a similar strong mythological figure to be the herald of the new golden age promoted by pope Urban VIII Barberini.

Pope Urban VIII Barberini

Pope Urban VIII Barberini

Leaving the Merman fountain and Piazza Barberini behind, and going up along via delle Quattro Fontane we quickly reach the big gates of Palazzo Barberini’s entrance.

 

This article is offered by Veni Vidi Vist, please check our amazing not so touristy Rome’s Free Walking Tour!

 

 

castel sant'angelo piranesi

Castel Sant’Angelo

Castel Sant’Angelo

Nascita ed evoluzione del castello di Roma

 

Castel Sant’Angelo, a seguito alle vicende trattate nell’articolo relativo al Mausoleo di Adriano, nasce ufficialmente come castello nel 547 con Totila re dei Goti. Totila infatti, dotato di grandi capacità strategiche, intuisce che è possibile dominare Roma soltanto controllando il Castello, come può essere chiamata da questo momento la tomba di Adriano. Viene anche deciso di costituire di là dal Tevere, un piccolo “burg” o borgo fortificato per alloggiare la guarnigione. Nel 590, durante una solenne processione indetta per scongiurare una terribile pestilenza che sconvolgeva la città, papa S.Gregorio Magno ebbe la visione, secondo la leggenda, dell’arcangelo Michele che, sull’alto del castello, rinfoderava una spada fiammeggiante. Sembra che in seguito a quest’avvenimento la peste cessò di mietere vittime. Per ringraziamento fu costruita una piccola cappella dedicata all’arcangelo Michele ed è da questa data che si comincia a designare, sia pure sporadicamente, la tomba di Adriano come “Castel Sant’Angelo”.

In questa epoca, anche se già esisteva la Basilica di S. Pietro i papi risiedevano principalmente nei Palazzi del Laterano e per recarsi alla Basilica, meta di pellegrinaggi e luogo dell`incoronazione papale, dovevano passare sul ponte difeso da Castel Sant’Angelo, unico accesso alla cittadella vaticana. L’importanza militare del Castello perciò si fa sempre più evidente ed è chiaro che chi ne è padrone ha in pratica tutta Roma in mano.

Alla morte di Leone III (816), che aveva portato a termine le fortificazioni del Castello iniziate dall’imperatore Carlo Magno, i romani distrussero le nuove mura simbolo di asservimento al potere imperiale. Nell’ 846, in seguito ad un’incursione dei Saraceni, che devastano e saccheggiano l’intera città, si sente il bisogno di ricostruire queste mura. Lo stesso imperatore Lotario ne ordina la costruzione e papa Leone IV le inaugura solennemente il 27 giugno 872, consacrando definitivamente l’importanza di Castel Sant’Angelo come baluardo di difesa verso i nemici esterni ed elemento di dominio verso la Città stessa. Con il decadere della potenza imperiale inizia a Roma un periodo di grandi lotte fra le grandi famiglie cittadine per impadronirsi del potere.

Castel Sant’Angelo viene ormai citato come fortezza e sembra dimenticato il suo antico uso tombale, assume invece anche la triste funzione di carcere che non abbandonerà più e per cui è tanto ricordato. Dal 980 al 1080 vi dimora la famiglia dei Crescenzi, che lo restaura e lo rinforza. Questa famiglia è tanto potente che riesce a imporre al Castello il nuovo nome di “Torre dei Crescenzi”. Dopo alterne vicende della storia di Roma, il Castello passa nelle mani dei più potenti signori romani i Pierleoni e poi degli Orsini. E’ proprio un componente di questa famiglia, Giovanni, che divenuto papa nel 1277 col nome di Nicolò III, pensa di trasferirsi dai palazzi lateranensi alla cittadella vaticana fortificandola ulteriormente e unendo addirittura il palazzo papale accanto alla Basilica di S. Pietro con il Castello mediante un passaggio sopra le mura, esistente ancora oggi e chiamato “passetto”, per rifugiarsi nella fortezza in caso di pericolo. Utilizzazione di breve durata, perché nel 1305 la sede papale, totalmente francofila, si trasferisce ad Avignone, dove rimarrà fino al 1377. E’ questo uno dei periodi più miseri per Roma, privata degli introiti che le dava la Corte pontificia e del commercio che si faceva attorno ad essa. La Città è in mano agli Orsini, prefetti del Castello.

castel S.Angelo

Festa della Girandola a Castel Sant’Angelo – G. Lauro, acquaforte (1624)

Nelle trattative con Avignone per il ritorno della sede apostolica a Roma, una delle principali condizioni è la concessione di Castel Sant’Angelo al papa. Nel 1367 con una significativa cerimonia vengono consegnate le chiavi ad un inviato papale e nel 1377 ritorna definitivamente dall’esilio avignonese il pontefice francese Gregorio XI, che conduce con sé una Corte asservita alla Francia. I romani non tollerano né questo stato di cose, né che il Castello sia nelle mani di castellani francesi ed alla morte di Gregorio Xl, nell’aprile del 1378, il Conclave, è costretto dalla cittadinanza romana ad eleggere un papa italiano, Urbano V. Questi si dimostra ostile ai francesi e pretende le chiavi del Castello nel quale, fra l’altro, è conservato il tesoro pontificio depositato da Gregorio IX. I cardinali francesi si riuniscono allora a Fondi e il 20 settembre 1378 eleggono un antipapa. Le due fazioni entrano in conflitto aperto e si affrontano il 30 aprile del 1379 nei pressi di Marino dove le truppe italiane sconfiggono quelle francesi. Castel S.Angelo, il simbolo dell’odiato dominio francese, viene preso d’assalto e demolito in gran parte. Ciò che rimane in piedi dopo tanto scempio è la struttura fondamentale adrianea: il quadrilatero di base, il grande cilindro e la torre centrale. Il resto, ovvero le costruzioni successive e tutto quanto rimaneva del rivestimento marmoreo, viene asportato e trasformato in materiale da costruzione.

 

Qualche anno dopo nel 1390, alla morte di Urbano VI, viene eletto Bonifacio IX (nobile napoletano della famiglia dei Tomacelli) che subito si accinge alla ricostruzione del Castello, passato ormai definitivamente nelle mani della Chiesa. D’ora in poi la storia del monumento procederà di pari passo con la storia del papato. In breve tempo il Castello venne restaurato grazie a Niccolò Lamberti di Arezzo, che imposta la fortificazione secondo i criteri di utilizzazione delle nuove e micidiali armi da fuoco che hanno rivoluzionato la tattica e la strategia militare. E’ con Bonifacio VIII che viene realizzato l’ambulacro tra il cilindro romano e la cinta quadrata, tagliando i setti radiali del mausoleo che si addossavano originariamente alla mole. Con i papi seguenti continuano una serie di importanti lavori che trasformeranno radicalmente la Mole Adrianea in un caposaldo inespugnabile del potere temporale del pontefice.

Ambulacro di Bonifacio VIII

Ambulacro di Bonifacio VIII

Papa Niccolo V (1447-55), con l’architetto Rossellino, precede ad un rafforzamento della cinta muraria, erigendo su tre dei quattro angoli del basamento torri rotonde che, insieme a due torrette di difesa al ponte S. Angelo, costituiscono un formidabile e imponente accesso alla cittadella vaticana, anch’essa ristrutturata in questo periodo ad opera del grande architetto Leon Battista Alberti. Inoltre, si inizia la costruzione di un appartamento papale vero e proprio a ridosso della torre centrale, che viene inglobata in costruzioni abusive e restaurato. I papi che seguono si occupano poco del Castello.

E’ solamente con l’elezione di Alessandro VI (1492-1503), lo spagnolo Rodrigo Borgia, che i lavori proseguono in grande stile grazie all’opera dell’architetto Antonio da Sangallo, che in circa tre anni (dal ’92 al ’95) compie lavori notevoli e innovatori. Questi lavori consistono principalmente nel rafforzamento delle mura quadrangolari con l’inglobamento delle torri esistenti in potenti bastioni ottagonali. Nella parte anteriore viene costruita non solo un’altra cinta muraria ma anche un’alta e massiccia torre adibita anche ad abitazione. Fu demolito invece il muro aureliano perché inutile e ingombrante. Risale probabilmente a quest’epoca il completo interramento della rampa elicoidale adrianea e la realizzazione al suo posto della rampa diametrale che consentiva l’ingresso solo attraverso un ponte levatoio. Inoltre fu sostituita la porta d’accesso al Vaticano (la porta Enea) con una di maggiori dimensioni, come testimoniano numerose stampe dell’epoca; fu infine scavato un fossato intorno al Castello. Anche la parte superiore del cilindro del Mausoleo viene restaurata e arricchita da una cortina di mattoni, mensole di marmo e archetti.

Il grande nemico dei Borgia, Giuliano della Rovere, diventato papa col nome di Giulio II, fa progettare dal suo architetto preferito, il Bramante, la splendida loggia prospiciente il Tevere. Leone X, il papa Medici, protettore delle arti, continua l’opera di abbellimento degli appartamenti pontifici commissionando addirittura a Michelangelo la facciata laterale della cappelletta nel cortile d’onore. Nel 1527, anno particolarmente funesto per la storia della città, durante il famoso Sacco di Roma ad opera delle truppe imperiali, papa Clemente VII, ancora un Medici, si rifugia letteralmente in fuga sotto una gragnuola di colpi, nel Castello, attraverso il Passetto, grazie al sacrificio dei suoi soldati svizzeri. Sarebbe poi riuscito a fuggire con uno stratagemma, travestito da contadino. Le fortificazioni resistono magnificamente all’assedio per sette mesi. Poi si viene a patti. Con un enorme esborso di denaro le truppe si ritirano. Anche Clemente VII lascia la sua impronta in Castel S. Angelo con la decorazione di due splendide sale e la costruzione del famoso bagno o stufa.

siege of castel s.angelo

Assedio di Castel Sant’Angelo, rifugio di Papa Clemente VII – Incisione di Maarten van Heemskerck –
Hieronymus Cock (1555 – 1556)

La storia di Castel Sant’Angelo è particolarmente legata al nome del pontefice Paolo III della famiglia Farnese che si occupò più dei suoi predecessori del”abbellimento del Castello. Anche questo papa ha come architetto Antonio da Sangallo, affiancato da Raffaello da Montelupo che si occuperà di tutta la parte scultoria: porte, finestre, camini, nicchie e soprattutto la splendida statua dell’arcangelo Michele. Il Sangallo progetta nuove fortificazioni poiché si teme un’invasione saracena. Disegna una cinta pentagonale, che non sarà realizzata, e fa erigere un terrapieno, tra l’altro spazzato via da una piena del Tevere nel 1557. All’interno vengono affrescate le splendide sale dell’appartamento paolino e la loggia contrapposta a quella di Giulio II, molto simile a quella di Palazzo Farnese.

Il successore di Paolo III, Pio IV, si affretta a portare a termine il progetto delle mura pentagonali del Castello, questa volta opera dell’architetto Laparelli, e dell’ampliamento delle mura di Borgo. Sul davanti viene aggiunto un portale ad opera di Silvestro Peruzzi, peraltro mai terminate. Dopo questi grandi lavori per qualche anno Castel Sant’Angelo fu trascurato fino all’elezione di Urbano VIII, Barberini, tanto odiato dai romani. Questi rivoluzionò tutta Ia parte anteriore del Castello, distruggendo la Torre Borgia, il portale del Peruzzi e ristrutturando completamente la cinta muraria verso il Tevere. Su progetto dell’architetto Buratti, venne realizzato un nuovo portale. Nel 1667 il Bernini restaura il ponte che viene anche decorato con una serie di angeli recanti i simboli della passione di Cristo. Nel 1743 Benedetto XIV termina l’appartamento e fa sostituire la statua dell’arcangelo Michele del Montelupo, lesionata, con una di bronzo dello scultore fiammingo Verschaffelt. L’utilizzazione del Castello per lungo tempo fu quella di carcere politico, nella tranquilla e paesana Roma papalina.

Lodewijk van Wittel (Vanvitelli): Castel Sant'Angelo in un dipinto del XVII secolo

Lodewijk van Wittel (Vanvitelli): Castel Sant’Angelo in un dipinto del XVII secolo

Nel 1825 inizia la riscoperta dell’antico monumento, quando il maggiore Bavari, calandosi da una botola della rampa diametrale di Alessandro VI, allora unico accesso alla fortezza, scende nel vestibolo adrianeo e rinviene questo ingresso dimenticato e la rampa elicoidale ormai tanto colma di detriti che occorsero ben diciottomila viaggi di carri per il completo sgombero. Il fatto che Castel Sant’Angelo fosse una prigione (e per di più politica) impedì per un lungo tempo che fossero compiuti studi precisi. e Castel Sant’Angelo andò sempre più in disfacimento, come mostrano le stampe e le vedute di tutto l’ottocento.

Soltanto nel 1870, per interessamento del maggiore Mariano Borgatti, allora preposto al comando del Castello, iniziano alcuni lavori di restauro e, soprattutto, uno studio preciso sul Mausoleo che rimane basilare per chi voglia approfondire la storia di questo importante monumento.

 

Si rimanda all’articolo sul Mausoleo di Adriano per quanto riguarda la storia del monumento precedente alla sua trasformazione in castello.

Mausoleo di Augusto

Mausoleo di Adriano

Mausoleo di Adriano

 

Il Mausoleo di Adriano, oggi più noto come Castel Sant’Angelo, era in origine un mausoleo fatto erigere dall’imperatore Adriano per accogliere le sue spoglie e quelle della sua famiglia. Era il terzo dei grandi monumenti funebri fatti costruire dagli imperatori romani, dopo quelli di Augusto in Campo Marzio e di Vespasiano sul Quirinale.

La zona in cui l’imperatore volle il suo Mausoleo era chiamata Ager Vaticanus, una regione che si estendeva fra i Montes Vaticani ed il Tevere. Era attraversato da due vie, la Triumphalis e la Cornelia all’incrocio delle quali era situato un grande sepolcro a forma di piramide, la cosiddetta meta Romuli, ricoperto di lastre di marmo. Li accanto si trovava inoltre una costruzione ricordata come Therebintus Neroni a punta circolare. Inoltre l’area era caratterizzata dalla presenza di numerosi sepolcri, in seguito distrutti per far posto alla Basilica Vaticana, posti, come era la consuetudine romana, lungo le vie di comunicazione al di fuori del Pomerio, il recinto sacro urbano.

Ager Vaticanus

L’Ager Vaticanus ed il suoi monumenti in una ricostruzione

Il Mausoleo di Adriano, secondo l’ipotesi più accreditata, era costituito da una base quadrangolare di circa 89 metri di lato in opus latericium, alta 16 metri, rivestita di marmo e con epigrafi riguardanti i membri della famiglia imperiale lì sepolti. Ai quattro angoli del basamento vi erano dei gruppi statuari in bronzo con uomini e cavalli.  Al centro della costruzione si ergeva un “tamburo” di 64 metri di diametro in opus caementicium, rivestito di blocchi di tufo e travertino decorato, alto circa 21 metri e ornato da statue di marmo, forse coperto sulla sommità da un tumulo di terra alberato di tipo etrusco. Infine, una torre a pianta circolare sosteneva la quadriga bronzea con l’imperatore Adriano nelle vesti del dio sole. All’esterno vi era un recinto di pilastri, di cui sono state trovate le fondazioni in travertino, decorate con pavoni di bronzo (due dei quali si trovano ora ai Musei Vaticani). All’interno erano tre grandi aule sovrapposte (ancora esistenti, si tratta della Sala delle Urne, la Sala della Giustizia e la Camera del Tesoro) fatte per accogliere le tombe imperiali, e una rampa elicoidale.

Al Mausoleo si accedeva mediante il Pons Aelius cosi chiamato dal prenome dell’imperatore, che costituiva l’ingresso scenografico alla tomba. La data d’inizio dei lavori dell’intero complesso non è conosciuta ma è senz’altro posteriore al 123 d.C. E’ nota invece la data dell’inaugurazione, il 139 d.C., eseguita dall’imperatore Antonino Pio in occasione del trasporto delle spoglie di Adriano, morto l’anno precedente. In seguito vi furono deposti i componenti della famiglia degli Antonini (gli imperatori Antonino Pio, Lucio Vero, Marco Aurelio, Commodo con le loro spose e i loro figli) e quelli della famiglia dei Severi. Il Mausoleo fu chiuso definitivamente con la deposizione delle ceneri dell’imperatore Caracalla nel 217 d.C.

Mausoleo di Adriano e Ponte Elio

Ponte Elio e il Mausoleo di Adriano in una incisione tedesca di J. W. Stor del XVIII sec.  (Pons Aelii zu Rom nebst der Engelburg)

Alla fine del terzo secolo (271) l’imperatore Aureliano decise di costruire una cinta di mura attorno a Roma per proteggere la Capitale dalla minaccia delle invasioni barbariche. La cinta difensiva è lunga 18 km e in essa vennero inglobati tutti quegli edifici che potevano essere utilizzati: i Castra Praetoria, l’anfiteatro Castrense, la piramide funebre di Caio Cestio e la Mole Adrianea, tutti edifici robusti e che si prestavano magnificamente a costituire delle fortificazioni, soprattutto l’ultimo, situato in una posizione strategica.

Il Mausoleo di Adriano si trovava Infatti, in un luogo divenuto importantissimo, sia perché dominava la zona piana circostante, chiamata i “prati di Nerone”, sia perché poteva difendere il ponte Elio divenuto, con la distruzione del ponte Trionfale, l`unico accesso alla parte nord della città. Inizia cosi una nuova vita per il sepolcro degli Antonini, diventato ormai baluardo di difesa nelle mura Aureliane che circondano Roma. Per due secoli circa (dal 277 d.C.) abbiamo poche e sommarie notizie sulla Mole Adrianea. Tutti gli oggetti e gli arredi preziosi che ornavano il Mausoleo furono probabilmente asportati durante il saccheggio di Roma di Alarico con i suoi Visigoti (410) o durante quello di Odoacre (476).

Altre notizie, seppur molto vaghe, le abbiamo durante il regno di Teodorico, il grande re goto, in cui si parla dell’edificio come del “Carcer o Domus Theodorici”, forse perché egli s’interessò attivamente del restauro di molti monumenti romani. Si hanno, invece, notizie precise sulla tomba di Adriano dallo scrittore Procopio, il quale nel suo “De Bello Gothico” ci ha lasciato un’ampia descrizione del Monumento e delle devastazioni che esso subì in occasione dell’invasione dei Goti nel 537. Fatto insolito, questa prima devastazione della Mole Adrianea, come documenta Procopio, fu eseguita non dagli assalitori ma dagli assaliti, i quali non avendo altra risorsa per difendersi “spezzarono la massima parte delle statue, che erano assai grandi e sollevate con ambo le mani quelle grossissime pietre, le scagliarono sul capo dei nemici”.

Il celebre Fauno Barberini, o Fauno Ubriaco è una di queste statue. Fu rinvenuta scavando nel fossato del mausoleo di Adriano nel 1624 andando ad arricchire la prestigiosa collezione di Palazzo Barberini, affidandone il restauro a Gian Lorenzo Bernini. La scultura venne poi acquistata da Re Ludwig di Baviera nel 1814 ed oggi è esposta nella Glyptothek di Monaco di Baviera.

Fauno Ebbro

Il Fauno Barberini o Fauno Ebbro – Glyptoteca di Monaco di Baviera

Dieci anni dopo, i Goti di Totila, occupata la Città eterna, trasformarono il Mausoleo in castello (le notizie sono sempre di Procopio) recintandolo con mura o congiungendolo a quelle già esistenti.

Il passaggio definitivo da Mausoleo di Adriano a Castel S.Angelo verrà approfondito in un successivo articolo.

Sito ufficiale di Castel S.Angelo

Porta Appia

Porta San Sebastiano

Le Porte di Roma: Porta San Sebastiano

Porta San Sebastiano, una delle porte meglio conservate del circuito delle Mura Aureliane, nasce con il nome di Porta Appia, perché costruita a cavallo della regina viarum. Il suo nome viene cambiato in Porta San Sebastiano nel corso del tardo Medioevo, per la vicinanza con la omonima basilica e le relative catacombe.

Viene costruita attorno al 275 d.C. nel contesto della fortificazione urbana voluta dal’imperatore Lucio Domizio Aureliano che circonda l’urbe con una possente cinta muraria lunga circa 19 Km, di cui 12,5 incredibilmente ancora in piedi nel loro tratto originario.

La porta romana era formata da un doppio fornice d’ingresso sovrastato da finestre ad arco al centro delle quali era collocata la scala per salire al piano superiore, che ospitava le macchine da guerra per armare le mura e i macchinari di manovra per aprire e chiudere la saracinesca a griglia che proteggeva i due battenti della porta vera e propria. Il tutto racchiuso entro due torri aggettanti come le vediamo ancora oggi.

Dato il passaggio della via Appia in questo punto, Porta San Sebastiano era una delle porte più trafficate di Roma e pertanto dotata anche di un “parcheggio a lunga sosta”. Difatti per lunghi periodi nella capitale era vietato il traffico di mezzi privati e subito al di fuori della porta era stata attrezzata un’area di sosta ove lasciare le proprie vetture prima di entrare in città. Sembra che anche la famiglia imperiale avesse un suo posto riservato, il “Mutatorium Caesaris”, veramente poco distante dall’arco d’ingresso.

Vari sono i rimaneggiamenti subiti nel tempo non solo da Porta San Sebastiano ma da tutta la cinta muraria; la più importante di queste trasformazioni fu quella eseguita dall’imperatore Onorio intorno all’anno 403 d.C., a seguito delle continue minacce di invasione da parte dei Goti.

Questo intervento raddoppiò l’altezza delle mura e creò un doppio camminamento. Il primo, aureliano, fu trasformato in una galleria coperta e quello nuovo, sulla sommità, era a cielo aperto e riparato da una merlatura continua. Porta San Sebastiano fu trasformata con la chiusura di uno dei due fornici e la costruzione di due muri paralleli che collegavano la porta col retrostante Arco di Druso, un preesistente fornice dell’acquedotto antoniniano realizzato da Caracalla nell’anno 213 d.C. per portare l’acqua alle sue nuove terme in costruzione. L’unione della porta con l’arco fornì una maggiore fortificazione all’entrata, che constava in tal modo di un cortile d’accesso compreso fra due porte e così meglio difendibile.

Arco di Druso

1870 Porta San Sebastiano, retro – Arco di Druso

La chiusura della porta era realizzata da due battenti in legno e da una saracinesca che scendeva, entro scanalature tuttora visibili, dalla sovrastante camera di manovra, in cui ancora esistono le mensole in travertino che la sostenevano. Alcune tacche sugli stipiti possono indurre a ritenere che si usassero anche dei travi a rinforzo delle chiusure.

Tutta questa fortificazione non portò grandi giovamenti all’apparato difensivo dell’Urbe ma anzi ne accentuò alcuni danni strutturali che risultarono fatali durante la famosa invasione dei visigoti di Alarico nell’anno 410 d.C.

 

Dopo la caduta dell’impero Roma si trasforma, si ridimensiona, ma non cessa mai di esistere; non più centro di un grande impero Roma diviene a poco a poco capitale della cristianità e non sono pochi gli indizi di questa trasformazione anche sulle pietre di Porta San Sebastiano: una croce con iscrizione in greco è situata al posto della chiave di volta nella faccia interna della porta. Risalente al VI-VII secolo, è dedicata ai santi Canone e Giorgio ed è una delle infinite testimonianze della presa di possesso cristiana di tutti i monumenti dell’antichità. Ciò che non poteva essere distrutto, in questo caso per la sua massima utilità, veniva riconnotato in senso cristiano.

Un suggestivo graffito di San Michele Arcangelo che uccide il drago orna la parete interna del fornice d’ingresso. L’iscrizione posta lì accanto riporta la data del 29 Settembre 1327. Nel giorno dedicato all’arcangelo, Roma dovette affrontare un’importante battaglia, che vide contrapporsi la fazione romana dei guelfi fedeli al papa alla fazione napoletana di Roberto d’Angiò. Per la futura storia dell’Urbe la vittoria della fazione romana fu fondamentale, poiché consegnò allo Stato Pontificio le chiavi di un fiorente e lungo futuro a capo della Città Eterna.

Arcangelo Michele

Graffiti a porta San Sebastiano – L’arcangelo Michele

 

Molti sono inoltre i graffiti lasciati sulle pietre dai viandanti che entravano in città, spesso per adempiere ad un pellegrinaggio verso i luoghi sacri della cristianità. Talvolta qualche generoso viandante ha anche lasciato delle utili indicazioni stradali, come la famosa scritta “Qui si va a San Gio…”

Nel 1536 l’imperatore Carlo V entra trionfalmente in città; ad Antonio da Sangallo è affidata la trasformazione della porta in un “arco di trionfo” per l’imperatore spagnolo. La fornì di stucchi, colonne, statue e rilievi marmorei e affisse dei festoni per i quali furono attaccati ai muri dei ganci che ancora oggi ne forniscono testimonianza.

Infine nel ventennio fascista la porta san Sebastiano venne occupata come pied-à-terre dal gerarca Ettore Muti che la abitò senza trasformarne l’identità, ma anzi utilizzando lo stile imperiale romano come peculiarità del suo rifugio.

Ettore Muti

Porta San Sebastiano – Particolare dell’appartamento di Ettore Muti

 

Visitando Porta San Sebastiano oggi, si ha l’opportunità di passare entro un tratto dell’antico camminamento delle mura, dove si possono ancora ammirare le torrette che ospitavano i soldati di guardia, le feritoie nei muri sia aureliane che onoriane, un dipinto murario medievale raffigurante una Madonna con Bambino, segno di un riutilizzo cristiano di questo tratto di mura ormai abbandonato durante il Medioevo.

 

Infine è possibile visitare, gratuitamente, il Museo delle Mura che ospita all’interno delle sue sale raccolte di materiali lapidei romani e cristiani strettamente collegati con la vita della porta; modellini delle mura romane e una breve storia delle trasformazioni subite dalla cinta muraria dell’Urbe nel corso dei secoli.

 

Per informazioni circa gli orari d’ingresso si può consultare il sito http://www.museodellemuraroma.it/

Collezione Barberini

Palazzo Barberini: La Collezione

PALAZZO BARBERINI: La Collezione

Palazzo Barberini ospita, insieme a Palazzo Corsini, la Galleria Nazionale d’Arte Antica, una raccolta di opere pittoriche che attraversa l’Italia da nord a sud in un periodo storico compreso fra il 1200 e il 1700.

Nelle prime sale si possono ammirare croci dipinte ed icone del tardo medioevo, un prezioso esempio di come l’arte al tempo fosse appannaggio della sola committenza ecclesiastica che considera le opere d’arte esclusivamente un mezzo di indottrinamento dei fedeli i quali, prevalentemente analfabeti, si pongono davanti ad un dipinto per “sentirsi raccontare” una storia. Le storie del periodo riguardano quasi esclusivamente la passione di Cristo (quindi largo spazio al Cristo triunphans o patiens sulla croce) o la natività, con rappresentazioni su larga scala di Madonne con Bambino.

Attraverso le sale successive si giunge al 1400, un secolo rivoluzionario per la storia dell’arte. Cambiano sia i committenti che i fruitori di opere e, senza prescindere dal soggetto religioso, ora i dipinti assumono lo scopo principale dell’arte quattrocentesca: coinvolgere lo spettatore rappresentando luoghi realistici e ben definiti; attraverso una attenta costruzione prospettica e una coerente rappresentazione della realtà, il pubblico è immerso in un mondo riconoscibile, in cui può sentirsi spettatore attivo e partecipante.

Un chiaro esempio ci è dato dall’Annunciazione di Filippo Lippi, dove la scena è inquadrata in una realistica quinta architettonica, le pose dei personaggi suggeriscono movimento e tridimensionalità e la presenza fisica dei committenti, improbabili testimoni dell’evento, suggerisce un senso di concretezza e quotidianità, messaggi atti a coinvolgere lo spettatore e farlo sentire parte attiva nell’avvenimento religioso.

Filippo Lippi - Annunciazione di palazzo Barberini con donatori

Filippo Lippi – Annunciazione di palazzo Barberini con donatori

Nelle sale successive la pittura quattrocentesca viene analizzata per aree geografiche: in Umbria la fa da padrone il Perugino, il cui San Filippo Benizi riassume perfettamente gatteggiamento dei pittori dell’Italia centrale nei confronti del nuovo corso storico artistico. Il soggetto è perfettamente inserito nella quinta architettonica di sfondo, quasi questa fosse la protagonista principale. Tutto nell’area in questione è realizzato secondo precisi canoni matematici e la perfetta resa prospettica la fa da protagonista.

Quando ci si avvicina a Roma il discorso cambia; già allora Roma è una città cosmopolita, meta di qualunque artista voglia farsi notare nell’ambiente che conta. Anche i pittori locali assorbono le novità portate dai forestieri che cominciano ad operare in città e un dipinto come la Madonna col Bambino tra i santi Paolo e Francesco d’Assisi di Antoniazzo Romano è una sintesi delle influenze che ispirano quotidianamente gli artisti romani. In questa rappresentazione sacra ancora si avverte una forte ricerca spaziale e tridimensionale, sapientemente coniugata però  con una precisa descrizione paesaggistica e ritrattistica, di chiara provenienza nordica.

Nella sesta sala sono esposti i capolavori della pittura toscana, dove su tutti spicca la Madonna in adorazione del Bambino di Gherardo di Giovanni, che non può prescindere da esempi illustri quale quello di Leonardo, suo amico. E’ leonardesco l’armonioso volto dei personaggi ma sopratutto lo è la rappresentazione atmosferica del paesaggio sullo sfondo, derivazione delle teorie leonardesche sulla “prospettiva aerea” che tanta fama hanno portato al genio rinascimentale di Leonardo.

Si passa quindi all’area veneta, dove la pittura è totalmente influenzata dal più attivo maestro del tempo, Giovanni Bellini, le cui Madonne con Bambino fanno scuola a chiunque approcci dipinti dalle tematiche religiose. In questa sala è esposto anche Lorenzo Lotto, il quale però già dai suoi primi passi si discosta, e lo farà ancor di più in età matura, dai dettami propri della cultura artistica veneta del periodo, principalmente incentrata sul colorismo e l’evocazione dello spazio circostante più che, come fa invece il Lotto, sulla caratterizzazione fisica e psicologica dei personaggi.

Concludono la visita del pianterreno due sale dedicate alla pittura straniera, dando particolare risalto alla elaborazione, da parte di questi pittori, dei modelli italiani e, come nel caso della Visione del beato Amedeo Menez da Sylva di Pedro Fernandez, soprattutto romani, essendo fertile a Roma quella cultura artistica che può definirsi una summa delle varie correnti che attraversano la penisola italiana. In questo dipinto il pittore iberico trae ispirazione da Bramante nella costruzione dell’architettura che giganteggia all’interno del dipinto; si ispira a Leonardo nella rappresentazione ritrattistica delle figure, la posa dei personaggi è un chiaro richiamo alla celebre “Disputa su Sacramento” di Raffaello nelle stanze vaticane.

Il piano superiore della galleria offre una visione dell’arte del 1500 in Italia suddivisa nuovamente per regioni ed aree di influenza. Passando attraverso le sale dedicate ai cosiddetti “leonardeschi” e “raffaelleschi”, si giunge finalmente al cospetto della Fornarina di Raffaello, una delle opere più importanti ospitate a Palazzo Barberini. All’apice del suo successo personale, Raffaello è chiamato dal ricco banchiere Agostino Chigi ad affrescare la sua nuova residenza in Trastevere, oggi nota come Villa Farnesina. In questo contesto si inserisce il nostro ritratto di fanciulla (probabilmente la figlia di un fornaio di Trastevere, da qui il nome), che può considerarsi un dipinto privato per Raffaello. Quella rappresentata non è una ragazza qualsiasi per il pittore e ce lo suggerisce la realizzazione stessa del ritratto. La posa seminuda da Venere pudica e insieme l’atteggiamento da musa ispiratrice, la firma del maestro posta su un bracciale indossato dalla ragazza quasi a volerne rimarcare il possesso personale, la presenza di alberi di mirto e melo cotogno (simboli di amore e passione), ci parlano di un rapporto intimo fra il pittore e la sua modella, così come la presenza di un anello posto all’anulare sinistro della ragazza, dettaglio ricoperto quasi subito dall’artista stesso o dal suo allievo che completò l’opera dopo la morte prematura dell’artista e riemerso solo a seguito del restauro dell’anno 2000.

Collezione Barberini

Raffaello – La Fornarina

Attraversando le sale successive si ha un’idea del clima culturale italiano del tempo, dove le commissioni artistiche si distaccano finalmente dalla sola tematica religiosa per riportare in auge tematiche legate alla mitologia e al mondo antico. Ne sono validi esempi i dipinti di Marco Bigio, del Sodoma, del Garofalo, al quale è dedicata un’intera sala.

Nella sala XV approdiamo nel 1500 veneto e qui possiamo ammirare capolavori assoluti quali Lo sposalizio mistico di Santa Caterina di Lorenzo Lotto, Venere e Adone, opera tarda di Tiziano in cui l’artista esprime le angosce e paure di una persona al tramonto della sua vita, attraverso una pittura più rarefatta, con profili meno delineati e precisi ma con una forte carica drammatica ottenuta grazie a pose coraggiose e ad un colorismo vivace. Questo esasperato colorismo ottenuto anche attraverso veloci e imprecise pennellate, è il tratto distintivo di un pittore quale Tintoretto, del quale ammiriamo qui il meraviglioso Cristo e l’adultera.

Ed è ancora attraverso gli occhi dei pittori stranieri che esaminiamo l’arte cinquecentesca nelle sale successive. Chiunque abbia aperto un libro di storia può riconoscere nella sala XVI il Ritratto di Enrico VIII di Hans Holbein il giovane dove il monarca, nonostante sia ritratto nel giorno delle sue (quarte) nozze, è rappresentato come un potente ed invulnerabile sovrano, ricoperto da ricchi gioielli simboli di potere e ricchezza e con la fierezza di chi, appena proclamato l’Atto di supremazia, si è posto a capo della chiesa anglicana.

Hans Holbein il Giovane - Enrico VIII d'Inghilterra

Hans Holbein il Giovane – Enrico VIII d’Inghilterra

Siamo giunti ormai al 1600 quando attraversiamo i corridoi dedicati ai vedutisti quali Poussin, che esprime perfettamente la sua vena lirica legata al paesaggio classicista o Guercino, che con il suo Et in Arcadia Ego esprime perfettamente la misera condizione dell’essere umano che deve sempre fare i conti con la precarietà della vita, anche nella mitica Arcadia, dove tutto è armonioso e funziona a meraviglia.

Ed infine si giunge nella sala XX, dove la fanno da padrone il Narciso e Giuditta e Oloferne di Caravaggio. La prima è da considerarsi un’opera ancora giovanile dell’artista, la seconda è piena espressione del drammatismo che caratterizza l’arte del pittore lombardo. Il genio assoluto di Caravaggio riesce a racchiudere tutto il significato dell’opera insieme con il messaggio per lo spettatore, in pochi centimetri quadrati: nello sguardo insieme atterrito  e stupefatto di Oloferne, colto di sorpresa dall’arditezza della giovane vedova che si introduce nel suo accampamento per ucciderlo e salvare il suo popolo.

Caravaggio - Giuditta e Oloferne

Caravaggio – Giuditta e Oloferne

Assolutamente degno di una menzione speciale è il delicato Ritratto di Beatrice Cenci che Guido Reni realizza al suo arrivo a Roma. Chiara evidenza questa di quanto un fatto avvenuto due anni prima, abbia scioccato un’intera popolazione, per l’immenso carico di ingiustizia e crudeltà che ha portato con se’. Il pittore emiliano non era a Roma all’epoca dei fatti, ma anche non avendo mai assistito al dramma, tale era la cicatrice lasciata dalla morte della giovane nel popolo romano, che anche dopo due anni il Reni pote realizzare un perfetto ritratto della ragazza, carico di dolcezza ed innocenza, così come tutti volevano ricordarla.

Collezione Barberini

Guido Reni – ritratto di Beatrice Cenci

Il terzo piano della galleria apre le porte alla pittura sei e settecentesca. L’influenza di Caravaggio e del suo uso particolare della luce è riconoscibile in opere quali il San Giacomo di Jusepe de Ribera e di tutte quelle opere qui ospitate provenienti da un ambiente napoletano fortemente influenzato dai soggiorni del pittore di Caravaggio.

L’ambiente romano invece non può prescindere dall’affermarsi dello stile barocco: la sala XXVI ospita capolavori del Lanfranco e di Pietro da Cortona, indiscussi capiscuola del movimento barocco. Il ritratto di Urbano VIII, opera pittorica di Gian Lorenzo Bernini, ci offre una visione privilegiata di quello che fu l’intimo rapporto fra il committente e l’artista napoletano: la pittura del Bernini ha qui un tono lontano dall’ufficialità di corte e il pontefice è rappresentato in tono familiare, confidenziale, così come lo è il David, presunto autoritratto dell’artista.

Ancora una volta, nelle sale successive, la pittura del periodo è analizzata nelle diverse aree geografiche, Toscana, Liguria e Veneto, fino ad approdare nel 1700, con particolare attenzione alla pittura settecentesca romana.

Roma nel ‘700 è nuovamente crocevia di esperienze artistiche provenienti da tutto il suolo italiano e non solo. Il rinnovamento artistico in corso porta a dare volti nuovi a basiliche, chiese e palazzi e all’altisonante Barocco di fine Seicento si sostituisce uno stile più leggiadro e aggraziato, come esemplificato dalle opere qui esposte di pittori quali Benedetto Luti e Francesco Trevisani.

Dalla seconda metà del ‘700 il carattere internazionale di Roma si accentua ancor più e la città diventa meta di artisti e viaggiatori di tutta Europa alla ricerca di opere e monumenti classici. Il periodo è particolarmente fertile per la realizzazione di soggetti ispirati all’antichità ed affianco a Pompoe Batoni che immortala viaggiatori inglesi sullo sfondo di rovine antiche, troviamo un divertente “falso storico” eseguito da Anton Raphael Mengs che con il suo Giove e Ganimede riesce nell’intento di ingannare un grande studioso di antichità come Winkelmann che definisce questo dipinto “il più bello finora pervenuto dall’antichità”. E nello stesso clima, che elegge Roma il centro culturale d’Europa, si sviluppa una intensa corrente di dipinti di paesaggio e “vedute” di città, esportate poi anche negli altri centri d’Italia, come è il caso del Canaletto che metterà a frutto a Venezia la sua esperienza romana.

Le sale successive sono interamente dedicate alla romantica pittura settecentesca, in Italia settentrionale e nel resto d’Europa. Piccoli e grandi capolavori destinati a decorare le residenze di ricchi committenti, come i quadri di François Boucher o Jean Baptiste Greuze.

Non solo pitture private, ma anche grandi opere pittoriche sono i risultati di questo nuovo fermento artistico; un eccellente esempio qui presente è La Gloria di San Clemente, modello del grande dipinto realizzato da Giuseppe Chiari per la decorazione del soffitto dell’omonima basilica romana nel 1714-15. Altri artisti quali Tommaso Chiari, Pietro de Pietri, Giovanni Antonio Grecolini, Giovanni Odazzi, Gian Domenico Piastrini, Giacomo Triga, Pier Leone Ghezzi e Sebastiano Conca collaborarono all’opera e ne troviamo qui esposti i loro lavori preparatori.

Alla fine del nostro viaggio attraverso la pittura italiana di oltre sei secoli, possiamo ammirare altre creature della cultura artistica settecentesca italiana: opere che aderiscono sia alla grande corrente rococò che alla più realistica visione paesaggistica. Maestro in tal senso fu sicuramente Giovan Battista Tiepolo, qui rappresentato da un ovale dipinto con Satiro e Amorino proveniente da un palazzo veneziano.

 

Per una approfondita e completa analisi della collezione si rimanda al sito istituzionale della galleria di Palazzo Barberini: http://galleriabarberini.beniculturali.it/  o di Palazzo Corsini: http://galleriacorsini.beniculturali.it/

Per maggiori informazioni sul palazzo ed i Barberini si rimanda al precedente articolo pubblicato qui.